Magical Girls, Novas narrativas da muller vernácula es un proyecto expositivo multidisciplinar que se dibuja como retrato generacional de la producción artística femenina joven del área de Vigo y de su contorno. Al margen de esta tentativa panorámica, me gustaría pensar esta exposición como un lugar dialéctico con capacidad crítica, un denkraum en el sentido warburguiano, un espacio para el pensamiento. La reflexión que evoca es importante y nos lleva a cuestionar la legitimidad de una exposición construida únicamente por mujeres: el momento histórico en el que sucede, sus intersecciones con los feminismos de la tercera ola, la marginalidad de los relatos femeninos en la historiografía oficial etc. Las cifras están ahí: la colección del Museo Reina Sofía tiene sólo un 12,7% de obra femenina y apenas un 3,7% de artistas españolas, mientras cada año un 70% de los graduados en las facultades de Bellas Artes son mujeres1. Sin detenerme demasiado en los datos podemos afirmar que es imprescindible crear dispositivos que visibilicen nuevos relatos transformadores de la sociedad; y una exposición no deja de ser una pequeña “máquina de guerra”, munición pública y política, una voz con una habitación propia dentro de la sociedad. El relato que propone Magical Girls se aleja de la mera representación de la femineidad para acercarnos a los temas que preocupan a una nueva generación de artistas. Tanto desde una perspectiva formal como semántica esta exposición no trata sobre la producción de artistas marginales, sino más bien —y a pesar de todo— cómo estas artistas desarrollan un sólido proyecto investigador que parte de la realidad para subvertirla mediante un poder transformador que no deja de ser, de alguna manera, mágico. De ahí el título Magical Girls, que surge como referencia a las series de anime japonesas de chicas que se transforman en guerreras mágicas en su lucha contra el mal. Los personajes ''mahō shōjo''(魔法少女) son chicas con algún poder especial que deben salvar el mundo, proteger algo mágico o combatir criaturas malignas mientras lidian con los problemas típicos de su edad. Por otro lado el título alude a las problemáticas de estas nuevas creadoras que deben enfrentarse a la gran dificultad de ser artista hoy en día, siendo una carrera con alto grado de precariedad, intermitencia y predominancia masculina. Como comisaria me siento en una postura privilegiada de enunciación múltiple, de haber investigado los proyectos de tantas artistas locales y haber abocetado, siempre con el margen de error que toda clasificación implica, este relato generacional. La exposición se vertebra en tres áreas: La construcción colectiva de la identidad femenina (situada en el atrio central) en la que pueden encontrar la crítica a la sociedad ideal de Mar Cuervo, la escultura deseante de Andrea Jambrina, la reflexión urbanita de Verónica Vicente, la memoria entrópica de Inés Casarejos, la nueva hermeneútica de Andrea Vázquez y la mirada antropológica de Deebo Barreiro), Explorando los límites (espacio perimetral izquierdo) con la topografía textil de Sara Coleman, la proyección del largometraje colaborativo Cinema e Muller y la pintura que se cuestiona a sí misma de Dennise Vaccarello y María Viñas) y Especies de espacios (en el pasillo perimetral frontal) con los lugares utópicos de Sheila Pazos y los distópicos de Yolanda Ríos. 1 Datos obtenidos de “Estudio de mujeres y hombres en las artes visuales” de la asociación Mujeres en las Artes Visuales de 2012.
TEXTO PARA VINILO EN SALA Magical Girls, Novas narrativas da muller vernácula es una exposición multidisciplinar que se dibuja como retrato generacional de la producción artística femenina joven del área de Vigo y de su contorno. Más allá de una representación panorámica, esta exposición quisiera convertirse también un lugar dialéctico con capacidad crítica, un denkraum en el sentido warburguiano, un espacio para el pensamiento. Ya en el año 1973 la historiadora Linda Nochlin se preguntaba por qué no ha habido grandes artistas mujeres y cuarenta años después observamos que la colección del Museo Reina Sofía tiene sólo un 12,7% de obra femenina y apenas un 3,7% de artistas españolas, mientras cada año un 70% de los graduados en las facultades de Bellas Artes son mujeres2. Lo que no se dice no existe, por eso necesitamos apostar por los relatos propios que construyan otra historiografía, abrir las ventanas de la habitación propia hasta conquistar el salón. Hoy es imprescindible la creación de dispositivos que visibilicen los nuevos relatos transformadores de la sociedad; y una exposición no deja de ser un dispositivo, una pequeña “máquina de guerra” que se activa como munición pública y política, una voz propia legitimada para la sociedad. El relato que propone Magical Girls se aleja de la mera representación de la femineidad para acercarnos a los temas que preocupan a una nueva generación de artistas. Tanto desde una perspectiva formal como semántica Magical Girls no trata sobre la producción de artistas marginales, sino más bien —y a pesar de todo— cómo estas artistas desarrollan un sólido proyecto investigador que parte de la realidad para subvertirla mediante un poder transformador que no deja de ser, de alguna manera, mágico. De ahí el título Magical Girls, que surge como referencia a las series de anime japonesas de chicas que se transforman en guerreras mágicas en su lucha contra el mal. Los personajes ''mahō shōjo''(魔法少女) son chicas con algún poder especial que deben salvar el mundo, proteger algo mágico o combatir criaturas malignas mientras lidian con los problemas típicos de su edad. Por otro lado el título alude a las problemáticas de estas nuevas creadoras que deben enfrentarse a la gran dificultad 2 Datos obtenidos de “Estudio de mujeres y hombres en las artes visuales” de la asociación Mujeres en las Artes Visuales de 2012. de ser artista hoy en día, siendo una carrera con alto grado de precariedad, intermitencia y predominancia masculina.
María Marco, Comisaria.
RESUMEN DE LA EXPOSICIÓN Magical Girls, Novas narrativas da muller vernácula es una exposición multidisciplinar que se dibuja como retrato generacional de la producción artística femenina joven del área de Vigo y de su contorno. El relato que propone se aleja de la mera representación de la femineidad para acercarnos a los temas que preocupan a una nueva generación de artistas. Tanto desde una perspectiva formal como semántica Magical Girls no trata sobre la producción de artistas marginales, sino más bien —y a pesar de todo— cómo estas artistas desarrollan un sólido proyecto investigador que parte de la realidad para subvertirla mediante un poder transformador que no deja de ser, de alguna manera, mágico. De ahí el título Magical Girls, que surge como referencia a los personajes ''mahō shōjo''(魔法少女) de las series anime japonesas de chicas que se transforman en guerreras mágicas en su lucha contra el mal mientras lidian con los problemas de su vida cotidiana. Por otro lado el título alude a las problemáticas de estas nuevas creadoras que deben enfrentarse a la gran dificultad de ser artista hoy en día, siendo una carrera con alto grado de precariedad, intermitencia y predominancia masculina. La exposición se vertebra en tres áreas: La construcción colectiva de la identidad femenina (situada en el atrio central), Explorando los límites (espacio perimetral izquierdo) y Especies de espacios (en el pasillo perimetral frontal). Las veintidós artistas que participan en esta exposición con aproximadamente treinta piezas componen una certera cartografía de las narrativas femeninas desafiantes a los relatos hegemónicos.
DEEBO BARREIRO, cazadora de almas (Las Palmas de Gran Canaria, 1993. Vive y trabaja en Vigo desde 1998) http://cargocollective.com/deebobarreiro
A pesar de su juventud, la mirada de la fotógrafa Deebo Barreiro disecciona quirúrgicamente la realidad para mostrarla sin ambages. Sus imágenes emergen como retratos desnudos de filtros y retoques. Quizá el trabajo de Barreiro pueda enmarcarse dentro de la escuela de Alberto García-Alix, Isabel Muñoz o Juan Manuel Castro Prieto, artistas de los que ha sido alumna en diferentes cursos después de haberse graduado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo y haber cursado posteriormente el Máster de Arte Contemporáneo Investigación y creación. La moda, entendida como investigación antropológica, es uno de sus objetivos. Pero no es una moda caprichosa, voluble a las tendencias, sino interpretada como manifiesto. La moda como lenguaje e identidad. La capa de verdad que destila la esencia de sus portadores. Así sucede en Tribus difusas. La cultura urbana contemporánea en Galicia, la pieza que se presenta en la exposición Magical Girls. La serie del año 2015 está compuesta por ocho retratos tomados en diferentes lugares de Galicia que representan diferentes tribus urbanas (breakdance, gótica, grunge, rapera, indie, mod, lolita o heavy), junto a un texto descriptivo que narra las peculiaridades de cada uno. Adoptando una metodología científica Barreiro realiza una taxonomía de nuestra juventud catalogando las diferentes especies urbanas. Su trabajo como fotógrafa recuerda quizás al de un antropólogo visual, que como los exploradores decimonónicos que se adentraban en la selva paraguaya para conocer a las tribus angaités, sanpanás o cadúveas, retrataban a los indígenas en una pose frontal, hierática, aguantando su mirada directa al objetivo mientras creían que esa máquina les estaba robando el alma. Barreiro explora la capacidad de la fotografía para documentar una realidad en constante cambio pero que emerge como un retrato del zeitgeist de nuestro tiempo. Un tiempo en el que, quizá por la democratización de las nuevas tecnologías, el heavy, el hip hop o la moda lolita polinizan y florecen en lugares diversos, como sucede hoy en día en nuestras ciudades gallegas. Pie de foto: Tribus difusas. La cultura urbana contemporánea en Galicia. Fotografía digital, 2015.
INÉS CASAREJOS, altares de la memoria (Gondomar, 1982. Vive y trabaja en Londres) http://icasarejos.blogspot.com.es Los restos de un pic-nic, una copa derramada, una tarta sin terminar, una ofrenda a Lady-Di, flores de plástico, souvenirs, fanzines, iconografía religiosa, baratijas...una tentativa de redención a través de la nostalgia de los deshechos. Casarejos ilustra la magia de lo cotidiano utilizando una estética de la acumulación: el Horror Vacui. No nos asombra, por tanto, que el título de su tesis doctoral realizada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Vigo, y leída en 2012, fuera Los terribles secretos ocultos tras la felicidad. El objeto kitsch en el arte. El universo Casarejos bebe del Kitsch, el mundo adolescente y la autoedición fanzinera, creando historias domésticas de corte feminista. Recordemos el Kitsch como un movimiento nacido en el Munich de 1870 que surge como una efervescencia por los objetos de arte destinados al consumo masivo. La democratización del lujo y la consolidación de una nueva burguesía deseosa de mostrar su estatus genera un comercio de objetos que hoy en día no tendríamos ningún pudor en denominar cursi u hortera. Más tarde este fenómeno fue objeto de reflexión estética por los grandes teóricos de la modernidad como Clement Greengberg quien se apropió del término para referirse a una cultura de masas como “un arte y una literatura populares y comerciales con sus cromolitografías, portadas de revistas, ilustraciones, anuncios comerciales, publicaciones de papel satinado, novelas de detectives, tebeos, canciones del verano, películas de Hollywood etc, etc3.“El estímulo del kitsch no es sino otra manera barata por la cual los regímenes totalitarios buscan congraciarse con sus súbditos4.” Para Magical Girls, Casarejos compone dos vitrinas que aglutinan su mejor colección de memorabilia, objetos realizados por ella como las Cajas (2010-2016), piezas que crea como pequeños altares con fotos antiguas, encajes, bordados, flores o estampas religiosas que evocan una suerte de ritual, junto a objetos encontrados en mercados callejeros, juguetes antiguos, insectos de plástico, dibujos o piezas singulares sin mayor valor que el de la evocación del recuerdo. Estos peculiares “altares de la memoria” se arman como dosis de munición que suscitan filias y fobias, pero es imposible negarles su carácter evocador, romántico, sentimental. Pie de foto: Pic nic. Fotografía digital, 100 x 70 cms. 2015. 3 Greenberg, Clement. La pintura moderna y otros ensayos. Edición de Feliz Danés. Biblioteca Azul. Editorial Siruela. P .30. 4 Ibidem.
SARA COLEMAN, atar los hilos (Ferrol,1980. Vive y trabaja en Pontevedra) http://saracoleman.es Sara Coleman ata bien sus hilos. No está conforme con haber creado su propia marca textil, haber desfilado sus diseños por la Mercedes Benz Fashion Week Madrid en seis ediciones o en la EGO Cibeles Madrid Fashion Week en cuatro o haber conseguido distribuir su marca a Moscú, Londres o Copenhague, todavía es capaz de crear exquisitas instalaciones textiles que rompen los silencios de las salas expositivas. Coleman presenta para Magical Girls una pieza titulada Pulsión (2016) realizada en hilo de viscosa tejido en maquina tricotosa. La pieza, de un rosa encarnado que se degrada hasta convertirse en rojo, parece querer conquistar el aire, pero ceja en su empeño para acabar formando parte de él. Hilo y aire forman una membrana orgánica, flexible, ingrávida, creada para ser rodeada, como una escultura de mármol neoclásica. Afirma Juan Luis Moraza que la membrana se genera por la intensidad y el grado de complejidad de las interacciones que efectúa y es síntoma de lo abierto en un sistema, por lo que podemos entenderla como espacio intermedio y no como espacio del límite, que sin ser ni exterior ni interior, permite la interconectividad. La membrana planta cara al muro, es velo y encaje. Permite ver y ser visto. Escuchar y ser escuchado, comunica sin invadir ni avasallar. La Pulsión de Sara Coleman suspende los hilos por sus extremos dejándolos caer por su propio peso, sin someterlos a otra fuerza que no sea la gravedad. Las formas crean curvas naturales, catenarias, que se entrelazan como un tejido vaporoso cuya trama se proyecta a su alrededor. Al igual que los tejidos y patronajes de su colecciones, Coleman traslada al espacio expositivo una metodología orgánica que parte del respeto por las texturas y los tejidos, trabajándolos según su naturaleza. De esta manera Coleman subvierte la tradición costurera realizada históricamente por mujeres y la lleva a un nuevo escenario. El hilo se convierte en herramienta conceptual para crear complejos universos que evocan topografías, estratos geológicos de eras digitales. Estas composiciones nos recuerdan el trabajo de la arquitecta Zaha Hahid quien también aplicó el concepto de membrana a varios edificios como la Sunrise Tower In Kuala Lumpur o el edificio Toyo Ito & Associates Tod’s Omotesando en Tokio (Japón). Actualmente Sara Coleman compagina su trabajo como artista con la labor docente como directora de proyectos finales y profesora de diseño en la escuela ESDEMGA (Universidad de Vigo) además de impartir diferentes cursos y conferencias. Pie de foto: Pulsión. Hilo de acetato rojo. 2x2 m., 2016.
MAR CUERVO, el poder transformador del arte (Vigo, 1980. Vive y trabaja en Los Ángeles (EEUU) http://www.marcuervo.com
Entender el arte como un activo transformador de la sociedad tiene mucho de mágico. Cuervo no se conforma con desarrollar impecables proyectos fotográficos alrededor del mundo en Islandia, California o México, donde busca retratar mujeres que reten a la adversidad. Sus personajes femeninos plantan cara a extremas condiciones de trabajo como en Sereas (mermaids), un retrato de las mariscadoras de Cambados, o establecen ancestrales tácticas de supervivencia en comunidad cuando son abandonadas por sus maridos en el proyecto Mexit. El trabajo de Cuervo explora, como una natural expansión de su tesis doctoral, los procesos colaborativos de representación visual de la identidad femenina usando el arte como una herramienta de compromiso social. Pero no solo a través de la fotografía, para esta exposición nos propone una pieza realiza con GIFs, un tipo de archivo digital de poco peso utilizado para facilitar el intercambio de archivos en internet, titulada Destroyer. Podríamos afirmar que Cuervo entra en una nueva fase productiva desplazando el sujeto al objeto, sustituyendo la fotografía por la metáfora. Destroyer plantea una frenética coreografía en el que varios pasteles de apariencia idílica son brutalmente destruidos por una mano femenina. La inocente agresión evidencia, no solo el placer del acto destructivo, sino la crítica hacia una sociedad idealizada. Aquellos valores de apariencia deliciosa se convierten en migajas con el sencillo movimiento de una mano. Destroyer evoca pequeños gestos, acciones domésticas de miles de mujeres, que entendidos desde la colectividad se convierten en una gran guerra contra la hegemonía patriarcal. Cuervo se forma en Ciencias de la Comunicación, realiza un Máster de Fotografía en la prestigiosa escuela EFTI y se doctora finalmente en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Además ha recibido numerosos premios y becas de residencia, como la Beca Gas Natura Fenosa de Creación Artística, la Beca de la Fundación “Arte y Derecho” o la EEA Grant “Cultural Diversity and Cultural Exchange Exchange Program” otorgado por The Royal Norwegian Embassy.
Pie de foto: Destroyer, GIFs, 2016.
SHEILA PAZOS, el lenguaje de Ipazia (Ginebra, 1982.Vive y trabaja en Pontevedra) http://www.sheilapazos.com
Comprendí que debía liberarme de las imágenes que hasta entonces me habían anunciado las cosas que buscaba: sólo entonces lograría entender el lenguaje de Ipazia. Las ciudades invisibles. Italo Calvino
Los multiversos de Sheila Pazos parecen emerger de las historias y de los cuentos. Su taumaturgia proviene de la capacidad para codificar la cotidianidad y revertirla en un universo onírico de paisajes y personajes encantados. Hablo de multiversos como oposición consciente al uni-verso, ya que es una artista poliglota que habla los lenguajes de la moda, el arte, la instalación, el diseño 3D o la fotografía, conjugando todos estos verbos con un reconocible y personalísimo acento. Pazos comienza su carrera licenciándose en Bellas Artes e iniciando su investigación predoctoral en el binomio arte/moda. Cuando redactaba su tesis doctoral decide matricularse en ESDEMGA y estudiar diseño textil, estudios que posteriormente completó con un Máster en Maya (Diseño 3D). Recientemente su colección Artificial Paradises 2016-2017, presentada en la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week-Samsung Ego (Madrid) ha conseguido acaparar todas las miradas de la prensa nacional e internacional, convirtiendo a esta artista en una de las apuestas más sólidas de la creación vernácula. En Magical Girls podemos disfrutar de varias de sus utopías —paraísos artificiales—, realizados mediante modelado 3D. Unos paisajes imposibles creados a la par que la colección, quizá concebidos como posibles mundos donde habiten esos personajes de gorgueras imposibles que parecen haber atravesado los espejos para tomar el té con el Sombrerero Loco y la Liebre de Marzo. En los diversos mundos de Pazos un sombrero no es sólo un sombrero, sino una escultura, una maqueta, una reflexión sobre la ciudad moderna o una reinterpretación de una de esas Ciudades invisibles que describió Marco Polo a Kublai Kan en palabras de Italo Calvino. Es decir, el trabajo de Pazos se expande en varias capas significantes que parten de lo tangible a lo universal. Sheila Pazos ha sido Premio Extraordinario Fin de Carrera, Primer Premio en DEBUT 2015, Primer Premio Tesoira 2014 Xuventude Crea en Diseño de Moda entre otros, ha trabajado en el estudio de Viktor&Rolf (Amsterdam) en el departamento de patronaje masculino y ha colaborado con marcas como Nike, D-Due o Desigual. Pie de foto: Serie Artificial Paradises. Infografía 3DImpresión digital 50x50cm. 2015.
YOLANDA RÍOS, una habitación propia (Moaña, 1979) http://yolandarioscoello.blogspot.com.es Al escribir sobre el trabajo de Yolanda Ríos me viene a la cabeza la famosa serie de dibujos y pinturas de Louise Bourgeois titulado Femme-Maison del periodo 1945-1946. Bourgeois dibuja una mujer desnuda y acéfala en la que una casa sustituye su cabeza. La casa suele vincularse en el trabajo de Bourgeois a un refugio, aunque también a una cárcel; espacios decisivos para la construcción de la identidad femenina en la mitad del siglo XX. No es que Ríos reinterprete su discurso, pero sí que en su cabeza tiene casas, ciudades, estructuras, espacios...un modo de entender la escultura directamente relacionada con la arquitectura y el urbanismo. Esto quizá es consecuencia de que se formara primero como diseñadora de interiores, y posteriormente se graduara en Bellas Artes en la Universidad de Vigo obteniendo el Premio Extraordinario Fin de Carrera donde actualmente es investigadora predoctoral en el departamento de Pintura. Ríos declina la ciudad a través de las instalaciones como en Pensar ciudades. Espacios para pensar (2013) una reinterpretación del mapa de la ciudad de Vigo en cemento y acetatos evocando una ciudad utópica. Pero los espacios también pueden representar estados emocionales interiores como Habitar las obsesiones (2014) una instalación en la que construye una celosía de cartón y madera que nos recuerda a Corredor Suspendido de la escultora Cristina Iglesias, Premio Nacional de Artes Plásticas, famosa por su puerta- escultura para la ampliación del Museo del Prado. La celosía es ese enrejado que permite ver sin ser visto y que declina una trama. Otra aproximación a la celosía, pero esta vez a partir de la superposición; es decir, el palimpsesto, es su magnífica pieza Intramuros (2015) creada para la exposición “Camino. A Orixe (lugares xacobeos)” celebrada en la Ciudad de la Cultura de Galicia. En ella construye un muro en ruinas en el que deja a la vista las diferentes capas que lo revisten; en el centro deja ver una última capa en pan de oro que representa la idea de protección. Retomamos para Magical Girls la idea de refugio como una búsqueda constante de esta artista que crea espacios para la imaginación pero también para la crítica. Refugio (2015) pone sobre la mesa el otro lado de la moneda, la ausencia del mismo. Construida simplemente con cuatro mantas térmicas, las mismas que se les proporcionan a las víctimas de un accidente, la instalación aporta al relato expositivo la parte de concienciación social, de reflexión sobre la dignidad y el modo de habitar del ser humano. Pie de foto: Refugio, 2016. Medidas 220 x 160 x 160 cm. Mantas térmicas, tanza y clavos.
ANDREA JAMBRINA, derecho al placer (Zamora, 1975.Vive y trabaja en Vigo) www.paroxismohisterico.com
Magical Girls; Nuevas narrativas de la mujer vernácula pretende ser una exposición que represente a una generación de mujeres artistas que tomen sus inquietudes como materia prima para el desarrollo de su práctica artística. Insertos en la tercera ola feminista, un movimiento que según la profesora Carolina Meloni en su libro Las fronteras del feminismo. Teorías nómadas, mestizas y posmodernas5 se caracteriza por asumir “nuevas reivindicaciones, desde luchas poscoloniales pasando por el feminismo lesbiano, el queer e incluso el ecofeminismo y el punkfeminismo”, las mujeres defienden su derecho al placer y a la erótica pero preocupándose por su seguridad y salud, como seres deseantes que cuestionan los modelos de sexualidad hegemónica. Asumir e integrar esa diversidad de mujeres que buscan su identidad en lo heterogéneo es el punto en el que la pieza de Andrea Jambrina Éxtasis- Paroxismo Histérico (2016) significa el elemento aglutinador que representa a todas esas mujeres en una reafirmación de su sexualidad. En 1933 Salvador Dalí publicó en la revista Minotaure un collage titulado El fenómeno del éxtasis en el que se muestran varios rostros y bocas femeninas recortadas de postales pornográficas. El éxtasis, para Dalí, era un estado próximo a la locura; y no es casual que Dalí pensara así ya que la Histeria femenina o lo que en la época victoriana se denominó Paroxismo histérico (la represión de la libido) era una enfermedad diagnosticada hasta mediados del siglo XIX. Partiendo de esta premisa y de lo que ha significado el orgasmo históricamente Jambrina articula un homenaje a todas esas mujeres tomando las bocas entreabiertas como elemento metónimico de esa reafirmación sexual. La pieza parte del famoso Éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini y del controvertido gesto de la santa en el momento de la visión divina. La artista pide a cincuenta mujeres que recreen ese mismo gesto tomando un molde de yeso de sus bocas. El resultado final se compone de esos cincuenta moldes reales que yacen sobre una cama de espejos. Cada molde es diferente y se expone con las imperfecciones propias del material. La instalación se despliega sobre el suelo y el espectador tiene que, literalmente, asomarse y confrontar su reflejo en el espejo con cada boca deseante. Jambrina proviene de la tradición escultórica castellana donde estudió artes aplicadas a los procesos escultóricos para posteriormente licenciarse en Bellas Artes en la Universidad de Vigo. Actualmente es docente e investigadora predoctoral y ha colaborado con diferentes instituciones y museos como LABoral (Gijón), Fundación Serralves (Oporto), Alterarte (Ourense) o el Museo Provincial de Lugo. Pie de foto: Éxtasis-Paroxismo Histérico. 50 moldes de yeso sobre espejo. Medidas Variables. 2016. 5 Meloni, Carolina. Las fronteras del feminismo. Teorías nómadas, mestizas y posmodernas 1a ed. Madrid: Fundamentos, 2012.
DENNISE VACCARELLO, la capacidad pictórica del sonido (Lugo, 1989. Vive y trabaja en A Coruña) http://www.dennisevaccarello.com
El proyecto pictórico de Dennise Vaccarello se articula a través del paisaje, el sonido y la visualidad. La pieza que presenta en Magical Girls, y que protagonizó su propuesta final del Máster de Creación e Investigación de la Universidad de Vigo, después de graduarse en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, se titula Subtítulo y pretende sintetizar conceptualmente el sonido a través de otras técnicas como la pintura digital o el vídeo. Todo comienza con un paseo. Caminar por ese espacio intermedio entre la ciudad y la naturaleza y experimentar el paisaje y el territorio como algo abierto, interconectado, huyendo de las categorías. La mejor forma de representar este no lugar no podría ceñirse a una cuadro o a un vídeo ¿por qué no ambos?. Subtítulo consiste en un ejercicio sinestésico donde Vaccarello pretende salir de la propia técnica. Pintar sin pintura o pintar reinventando la técnica pictórica. Así por ejemplo el lienzo es óleo aplicado con jeringuilla y su textura gruesa y caótica recuerda a los lienzos de ciertos pintores abstractos como Jason Martin. Cuadros monocromos en los que la misma pintura parece haber sido aplicada sin mayor pretensión que ser ella misma. El óleo de Subtítulo como no podía ser de otra manera lleva un subtítulo “Ssssssssschhhhhhhh” en letras amarillas, una invitación al silencio para poder escuchar lo que la pintura tiene que decir. Este óleo es acompañado de un pequeño vídeo que emite fragmentos del paseo antes aludido. Unas flores, un camino, un trozo de cielo... sensaciones fragmentadas cuyo audio representa tan solo el instante. Esta interpretación sonora de lo visual da un paso más allá de lo que Kandinsky intento pintar en sus composiciones de los años veinte. Él intentó pintar la música y ahora Vaccarello pinta los sonidos de un paseo. Ambos comparten la necesidad de llevar a la pintura a un estadio más allá de la representación. Denisse Vaccarello ha expuesto entre otros en la Fundación RAC (Pontevedra), Universidad de Porto, Festival SinSal o Centro Cultural Casa Elizalde (Barcelona).
Pie de foto: Subtítulo. Óleo aplicado con jeringuilla y vídeo en Tablet. 2015.
ANDREA VÁZQUEZ, desplazamientos de la lectura (Vigo, 1981) https://vimeo.com/user14499055
“Pues es el placer el que aporta al goce sus límites, el placer como nexo de la vida, incoherente, hasta que otra prohibición, ésta no impugnable, se eleve de esa regulación descubierta por Freud como proceso primario y ley pertinente del placer”. Este breve párrafo pertenece a un breve texto titulado “Subversión del sujeto y dialéctica del deseo en el inconsciente freudiano” y quizá pueda parecer críptico para aquellos que no están familiarizados con Jacques Lacan y su psicoanálisis estructuralista, pero es uno de los textos que articulan una de las tres piezas videográficas que componen el proyecto Desplazamientos de la lectura. Esta serie creada por Andrea Vázquez y Jorge Varela se propone desafiar la hermeneútica clásica a través de diferentes textos de Paul Virilo (Una estética de la desaparición), Rosalinde Krauss (An expanded song) o Jacques Lacan (Donde dice: Ahora dice:()) planteando nuevos modos de leer distintos textos teóricos de artistas, filósofos, historiadores y críticos de arte. Vázquez y Varela subvierten el acto lector transformándolo en un karaoke, una performance realizada por una intérprete de lengua de signos o un conejo que al terminar su lectura simplemente desaparece. Una diversificación de imaginarios que tienen en común la codificación del texto en diferentes lenguajes como el literario, el visual o el musical. Como ejercicio de transtextualidad expande la literatura crítica hacía otras disciplinas haciéndola más accesible al gran público. La pieza que presentan en la exposición Magical Girls titulada Donde dice: Ahora dice:(), la dedicada a Lacan, muestra a una interprete de lengua de signos codificando el texto antes mencionado. La protagonista, para aquellos que desconozcamos la lengua de signos, ejecuta diversas muecas y movimientos en los que la palabra se convierte en gesto y el texto en danza. Baila a Lacan, en el sentido literal de la expresión. La impecable factura visual de la pieza, grabada en blanco y negro, la ausencia del sonido, salvo el resultante de la vocalización silenciosa de la interprete, hacen de esta pieza un trabajo intertextual, cuya magia no reside en ningún truco, sino en la interpretación extraordinaria de lo ordinario.
Pie de foto: Donde dice: Ahora dice:(). Fotograma. 2012.
VERÓNICA VICENTE, danzas del camuflaje (Tomiño, 1988) http://www.veronicavicente.es Es propio de la magia entrenarse en la ejecución de diversos trucos de invisibilidad. Un conejo en una chistera o un simple naipe desaparecen inexplicablemente ante nuestros ojos en un hábil juego de manos. Pero lo propio de los artistas es visibilizar aquello que a simple vista es invisible; el proceso es el inverso y este es el que ejecuta Verónica Vicente en una eficaz estrategia de camuflaje. En Una estética de la apariencia Vicente conjuga la performance, el vídeo y la escultura para hablarnos de la crisis de identidad del sujeto en las grandes urbes contemporáneas. La soledad, la despersonalización, el anonimato o la fragilidad del cuerpo son los temas principales de este proyecto que comienza en el año 2011 y continua en la actualidad. Vicente se licencia en Bellas Artes en la Universidad de Vigo en el año 2010 y de ahí se muda a Madrid para realizar un Máster en Fotografía conceptual y artística en la prestigiosa escuela EFTI, quizá fue allí donde experimentó todas estas emociones propias de la vida en la gran ciudad y allí gestara este proyecto. Una estética de la apariencia comienza como performance en la que Vicente se envuelve de un tejido elástico, en concreto un jersey que permite sus movimientos, pero no permite ser reconocida. Como diría Valle Inclán, el bulto de un hombre, en este caso, el de una mujer, late bajo la apariencia de algo orgánico que se camufla entre los intensos grises del hormigón urbano, un bulto difícil de identificar salvo cuando el espectador repara en que respira. La performance sucede como una danza contenida, un baile sin música ni aplausos. Vicente documenta esta acciones en vídeo en diferentes escenarios, pero es realmente la fotografía, la imagen estática de la acción, la que nos revela todo el potencial de este trabajo. El proyecto articula un equilibrado sentido de la composición y el color en el que el uso de la centralidad y de los puntos de fuga transmiten, sin embargo, un estado de cierta complacencia. Este proyecto se bifurca provocando una lectura diferente dependiendo del contexto donde se realice. Las instantáneas tomadas en museos, por ejemplo, connotan la acción como denuncia de la escasa visibilidad de los artistas jóvenes en las grandes instituciones, sin embargo la localización en entornos urbanos redimensiona en lecturas antropológicas y sociológicas la insignificante acción que tautológicamente, Vicente ejecuta. Pie de foto: Una estrategia de la apariencia. Papel baritado sobre dibond. 90 x 60 cm. 2011.
MARÍA VIÑAS, más allá de los límites de la pintura (Vigo, 1976) https://mariavinasblog.wordpress.com La pintura háptica de María Viñas entiende el lienzo desde una dimensión escultórica, táctil, que parece querer ser tocada. Quizá porque sus piezas se componen de hilos, telas, maderas, perforados, bordados e infinitas capas de veladuras (que en algunos casos llegan hasta las 500) que convierten los soportes en rivales directos de la madera o el metal, pero con la ductibilidad suficiente que les permite ser moldeados. La pintura de Viñas emerge tridimensionalmente desafiando los límites de la pintura. Su metodología de trabajo es increíblemente lenta entendiendo el trabajo como liturgia, un proceso espiritual de comunión con el lienzo. De hecho Viñas ha desarrollado una técnica pictórica propia que imparte el catedrático J. Perdiguero en la Universidad de Nueva York, dentro de la asignatura “Nuevas técnicas de abstracción pictórica” y que lleva al ancho del lienzo a alcanzar hasta los 40 cm. de grosor. Sus pinturas abstractas reinterpretan símbolos espirituales como la cruz, el yantra o el mandala, diagramas geométricos que evocan la meditación y la purificación y a la vez actúan de protectores espirituales. Afirma Viñas en una entrevista: “La textura blanda, sutil y translúcida de la tela para mi investigación es un material irreemplazable, no sólo por su aspecto estético sino también por su contenido conceptual (Ariadna, Aracne, Líbera, Atenea, Penélope, Laquesis, Cloto, Átropos), donde el hilo es un elemento íntimamente relacionado con la capacidad del hombre para inventar su propio camino, su propia realidad en un contexto impuesto. Cualidades que, según mi punto de vista, son inherentes al carácter creativo de los artistas.” En su pintura no hay espacio para la improvisación. Su proyecto pictórico se afianza con aplomo en una coherente declinación de materiales y propósitos que reinterpretan el Informalismo de Tapies o Saura creando una pintura mágica, vibrante y heterodoxa. María Viñas actualmente compagina su trabajo de arte con la dirección creativa, el estilismo y la docencia en el Instituto Europeo del Diseño (Madrid) aunque también ha colaborado en proyectos audiovisuales como el film “Caótica Ana” de Julio Medem o cediendo varias piezas para el vídeo de Alejandro Sanz “Un zombie a la intemperie”. Además ha recibido varios premios como Caja Madrid, Bancaixa, Aldeasa o Lucky Strike-Honda. Pie de foto: Histerias. Técnica mixta. 116x200x10 cm. 2014.
Visions 2016 | 67ʹ | Galego (dir. Xisela Franco) http://www.depo.es/es/cinema-e-muller Piezas audiovisuales de: Carla Andrade, Bego Santiago, Carme Nogueira, Eva Calvar, Sonia Méndez, Andrea Zapata-Girau, Lara Bacelo, Olaia Sendón, Diana Toucedo y Claudia Brenlla. El largometraje “Visions. Creadoras de cine. Pontevedra” o simplemente Visiones, es una película colaborativa que forma parte d eun proyecto integral, Cinema e Muller, que abarca un conjunto de acciones que tuvieron lugar en Marzo de 2016 y que preteneden visibilizar el cine hecho por mujeres en Galicia; un proyecto que se hizo con el apoyo de la Diputación de Pontevedra desde el departamento de Igualdad. De un mapeo en el que encontramos 70 realizadoras solamente en la provincia de Pontevedra escogimos diez cuyo discurso se encuentra entre la intersección de cine y arte. Son Carla Andrade, Bego Santiago, Carme Nogueira, Eva Calvar, Sonia Méndez, Andrea Zapata-Girau, Lara Bacelo, Olaia Sendón, Diana Toucedo y Claudia Brenlla, todas ellas de Vigo. El resultado es un film poliédrico al tiempo que coherente, un largometraje formado por diez piezas que funcionan como cortos independientes pero que unidos, tienen mayor fuera e interés. Porque juntas son una suma representativa del talento creativo de un lugar y reivindican de forma rotunda un espacio para para el “cine de las pequeñas naciones”, en este caso la gallega, una periferia que es más minoritaria se nos referimos al cine hecho por mujeres. Un discurso que reflexiona doblemente desde los límites, lejos del lenguaje del poder, pero cuya frescura y valor artístico lo inscribe en la vanguardia contemporánea internacional. Xisela Franco, directora de Cinema e Muller.
ACTUACIÓN MUSICAL Aid (Vigo, 1990. Vive e traballa en Los Ángeles) https://www.youtube.com/user/AidVigo
Aid pertenece a esa nueva generación de artistas que con doce años descubre el mundo del hiphop y que tras grabar varias canciones en un radiocassette, un amigo las publica en internet. Su música se vuelve viral y a partir de ahí comienza una meteórica carrera como cantante, compositora y productora de música urbana. En 2007 graba su primera maqueta, en 2008 gana la IV edición del Festival Heineken Greenspace en Valencia entre más de 1300 grupos, lo que le permitió sacar su primer disco “Jugando”. En 2009 Boogie Vigo es seleccionada por iTunes como Latin Single of the Week. También ha sido imagen de la campaña "A calquera hora" de la Televisión de Galicia componiendo e interpretando la canción "Apréndeo" y en 2012 publica junto a la Editorial Galaxia “Rapoemas” un libro-disco en el que versiona clásicos de la literatura gallega como Rosalía de Castro, Manuel Antonio, Curros Enríquez o Álvaro Cunqueiro, ha colaborado con la BBC y ha sido galardonada con el premio “Xeración Viguesa” entre otros. Compagina la música con su carrera como ingeniera industrial. Las canciones de Aid funcionan como dispositivos de autoafirmación femenina como en “Hacer lo que quiero, “Lo hago por sobrevivir” o “Tu puedes”, Aid dibuja un mundo en el que creer y por el que luchar y lo ejecuta a través de un ágil ejercicio del lenguaje tanto en gallego, castellano o inglés. Es en este sentido una rapsoda de letras luminosas y honestas en las que habla sin pudor sobre el fracaso, la reflexión sobre su práctica artística (“no lo hago para ganar lo hago por sobrevivir, cuando no pueda soñar dejaré de escribir”), el trabajo, el respeto, el mundo hiphop, o la cultura contemporánea.
XORNADA DA ARTE DA ACCIÓN E MULLER: Contra as mulleres dos cadros de Delvaux 26 de septiembre 2016 De 18 a 21 hrs. Casa das Artes. Despois vai reparando lentamente en que non hai xeito humano de ollar sen que ninguén te olle. Ao día seguinte soña que come pedras e que non son malas de tragar. Que camiña de noite, serena e espida, como as mulleres dos cadros de Delvaux. (...) Somos animais da anticipación, animais da ruptura, da discontinuidade temporal. Capaces de querer calquera cousa que queiramos con toda a intensidade posible en cada instante. O SANGUE. María do Cebreiro en O DESERTO, Apiario, 2015. Dentro de la exposición Magical Girls. Novas narrativas de la muller vernácula planteamos una sesión que inserte un tipo de trabajo artístico, la performance, que ha quedado fuera de la exhibición objetual. La I Jornada de Arte de Acción y Mujer nace con el propósito de dar cabida a trabajos performáticos creados por mujeres jóvenes del área de Vigo y alrededores que funcione como un estado de la cuestión, como termómetro que mida la temperatura de esta disciplina artística en este momento histórico. Contra as mulleres dos cadros de Delvaux toma su nombre de un poema, O sangue, de la poeta gallega María do Cebreiro que recientemente ha publicado su última libro de poesía titulado “O deserto”. El poema habla de la sangre, los deseos y los sueños de una mujer abstracta en relación a la memoria de su amante. Las mujeres que pinta Delvaux son mujeres ideales, sin sentimientos, sexualizadas, ensimismadas, etéreas, unas mujeres también mágicas, pero entendidas como sujeto pasivo del enunciado: no son magas, sino hechizadas. La jornada comenzará con una mesa redonda de debate en la que participarán: Andrea Jambrina y María Magán en representación de L.I.B.A Colectivo Amaya González Reyes (Artista) Eva Monroy (Artista) Iría Vázquez (Artista) María Roja (Artista) Alba Blanco (Artista) María Marco (Comisaria y moderadora). De 19 a 21 hrs. tendrán lugar las performances. Artistas participantes: Amaya González Reyes L.I.B.A colectivo Eva Monroy e Iría Vázquez Alba Blanco María Roja
AUDIOGUÍA INTRODUCCIÓN El Concello de Vigo a través de la Concejalía del área de cultura presenta la exposición Magical Girls. Nuevas narrativas de la mujer vernácula dentro de la programación de la NOITE BRANCA 2016, que se celebra desde el 12 de agosto hasta el 2 de octubre de 2016. Magical Girls. Nuevas narrativas de la mujer vernácula es un proyecto expositivo multidisciplinar que se presenta como retrato generacional de la producción artística femenina más joven del área de Vigo y de su contorno. La muestra reúne aproximadamente 30 piezas del campo audiovisual, la escultura, instalación, fotografía, videoperformance, diseño 3D y pintura además de una muestra de arte de acción que se celebra el 16 de septiembre con la actuación en vivo de 7 artistas femeninas. En el proyecto participan un total de veintidós artistas comisariadas por la crítica, comisaria e investigadora María Marco Covelo El relato que nos propone la comisaria se aleja de la mera representación de la femineidad para acercarnos a los temas que preocupan a una nueva generación de artistas. Tanto desde una perspectiva formal como semántica Magical Girls no trata sobre la producción de artistas marginales, sino más bien cómo estas artistas desarrollan un sólido proyecto investigador de la realidad para convertirla en otro lugar; utilizando como herramienta el poder transformador del arte que no deja de ser, de alguna manera, mágico. De ahí el título Magical Girls, que surge como referencia a las series de anime japonesas de chicas que se transforman en guerreras mágicas en su lucha contra el mal. Los personajes ''mahō shōjo''(魔法少女) son chicas con algún poder especial que deben salvar el mundo, proteger algo mágico o combatir criaturas malignas mientras lidian con los problemas típicos de su edad. Por otro lado el título alude a las problemáticas de estas nuevas creadoras que deben enfrentarse a la gran dificultad de ser artista hoy en día, siendo una carrera con alto grado de precariedad, intermitencia y predominancia masculina. ATRIO CONSTRUCCIÓN COLECTIVA DE LA IDENTIDAD FEMENINA Comenzamos introduciéndonos en la parte arquitectónica más emblemática del edificio: el atrio central. Esta zona simboliza el lugar de origen y de confluencia, y se asemeja a un ágora, un lugar de reunión y discusión de los asuntos públicos. Este atrio está dedicado, por lo tanto, a la reflexión colectiva sobre la construcción de una nueva identidad femenina. La pieza que nos introduce la exposición es Destroyer, del año 2016, una pieza de la artista Mar Cuervo. El vídeo se construye mediante una colección de GIFs, un formato de archivo informático para transferir archivos con rapidez en internet. Estos GIFs representan una frenética coreografía en el que varios pasteles de apariencia idílica son brutalmente destruidos por una mano femenina. La inocente agresión evidencia, no solo el placer del acto destructivo, sino la crítica hacia una sociedad idealizada. Esta pieza funciona como metáfora de su investigación doctoral que versaba sobre los procesos colaborativos de representación visual de la identidad femenina usando el arte como una herramienta de compromiso social. Destroyer evoca pequeños gestos, acciones domésticas de miles de mujeres, que entendidos desde la colectividad se convierten en una gran guerra contra la hegemonía patriarcal. En la parte central nos encontramos con Éxtasis-Paroxismo Histérico también del año 2016 de la artista Andrea Jambrina. Esta pieza simboliza un nuevo modo de entender la sexualidad femenina. Las mujeres defienden su derecho al placer como seres deseantes que cuestionan los modelos de sexualidad hegemónica. Partiendo de lo que ha significado el orgasmo históricamente Jambrina articula un homenaje a todas esas mujeres tomando las bocas entreabiertas como elemento metónimico de esa reafirmación sexual. La pieza parte del famoso Éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini y del controvertido gesto de la santa en el momento de la visión divina. La artista pide a cincuenta mujeres que recreen ese mismo gesto tomando un molde de yeso de sus bocas. El resultado final se compone de esos cincuenta moldes reales que yacen sobre una cama de espejos. Cada molde es diferente y se expone con las imperfecciones propias del material. La instalación se despliega sobre el suelo y el espectador tiene que, literalmente, asomarse y confrontar su reflejo en el espejo con cada boca deseante. Siguiendo esta línea de toma de conciencia del placer femenino nos encontramos con Donde dice: Ahora dice:(), un vídeo realizado por la cineasta Andrea Vázquez en colaboración con el artista Jorge Varela. El vídeo muestra únicamente a una interprete de signos que transfiere un párrafo de un breve texto titulado “Subversión del sujeto y dialéctica del deseo en el inconsciente freudiano” de Jacques Lacan. La protagonista, para aquellos que desconozcamos la lengua de signos, ejecuta diversas muecas y movimientos en los que la palabra se convierte en gesto. La impecable factura visual de la pieza, grabada en blanco y negro, la ausencia del sonido, salvo el resultante de la vocalización silenciosa de la interprete, hacen de esta pieza un trabajo transtextual, de interpretación de textos críticos en clave popular. Este vídeo pertenece a la serie Desplazamientos de la lectura que se propone desafiar la hermeneútica clásica a través de diferentes textos de Paul Virilo (Una estética de la desaparición), Rosalinde Krauss (An expanded song) o Jacques Lacan (Donde dice: Ahora dice:()) planteando nuevos modos de leer distintos textos teóricos de artistas, filósofos, historiadores y críticos de arte. Vázquez y Varela subvierten el acto lector transformándolo en un karaoke, una performance realizada por una intérprete de lengua de signos o un conejo que al terminar su lectura simplemente desaparece. Continuando con la construcción de la colectividad nos encontramos con una serie fotográfica de la artista Deebo Barreiro: Tribus difusas. La cultura urbana contemporánea en Galicia. La serie del año 2015 está compuesta por ocho retratos tomados en diferentes lugares de Galicia que representan diferentes tribus urbanas (breakdance, gótica, grunge, rapera, indie, mod, lolita o heavy), junto a un texto descriptivo que narra las peculiaridades de cada uno. Adoptando una metodología científica Barreiro realiza una taxonomía de nuestra juventud catalogando las diferentes especies urbanas. Su trabajo como fotógrafa recuerda quizás al de un antropólogo visual, que como los exploradores decimonónicos que se adentraban en la selva paraguaya para conocer a las tribus, retrataban a los indígenas en una pose frontal, hierática, aguantando su mirada directa al objetivo mientras piensan que esa máquina les estaba robando el alma. Barreiro explora la capacidad de la fotografía para documentar una realidad en constante cambio pero que emerge como un retrato del zeitgeist de nuestro tiempo. Pero en este personal ágora no podía pasar por alto la memoria de las mujeres del pasado. Inés Casarejos, con su particular universo entrópico presenta dos vitrinas que aglutinan su mejor colección de memorabilia, objetos realizados por ella como las Cajas (2010- 2016), piezas que crea como pequeños altares con fotos antiguas, encajes, bordados, flores o estampas religiosas que evocan una suerte de ritual, junto a objetos encontrados en mercados callejeros, juguetes antiguos, insectos de plástico, dibujos o piezas singulares sin mayor valor que el de la evocación del recuerdo. Casarejos ilustra la magia de lo cotidiano utilizando una estética de la acumulación: el Horror Vacui. Estos peculiares “altares de la memoria” se arman como dosis de munición a las que es imposible negarles su carácter evocador, romántico, sentimental. Además Casarejos introduce una de sus vocaciones más recientes, el comic y la autoedición e incluimos aquí su tiras más recientes que beben del Kitsch, el mundo adolescente y la autoedición fanzinera, creando historias domésticas de corte feminista. La última pieza que compone este espacio introductorio es el proyecto Una estética de la apariencia de la artista Verónica Vicente quien conjuga la performance, el vídeo y la escultura para hablarnos de la crisis de identidad del sujeto en las grandes urbes contemporáneas. La soledad, la despersonalización, el anonimato o la fragilidad del cuerpo son los temas principales de este proyecto. Una estética de la apariencia comienza como performance en la que Vicente se envuelve de un jersey que permite sus movimientos pero no permite ser reconocida. Vicente documenta esta acciones en vídeo en diferentes escenarios, pero es realmente la fotografía, la imagen estática de la acción, la que nos revela todo el potencial de este trabajo. Este proyecto se bifurca provocando una lectura diferente dependiendo del contexto donde se realice. Las instantáneas tomadas en museos, por ejemplo, connotan la acción como denuncia de la escasa visibilidad de los artistas jóvenes en las grandes instituciones, sin embargo la localización en entornos urbanos redimensiona en lecturas antropológicas y sociológicas la insignificante acción que tautológicamente, Vicente ejecuta. ESPACIOS PERIMETRALES: EXPLORANDO LOS LÍMITES IZQUIERDA Continuando el recorrido hacia las zonas perimetrales del ala izquierda nos encontramos con una instalación textil, obra inédita de la diseñadora de moda, docente y artista Sara Coleman. Pulsión es una suerte de membrana realizada en hilo de viscosa tejido en maquina tricotosa. La pieza, de un rosa encarnado que se degrada hasta convertirse en rojo, suspende los hilos por sus extremos dejándolos caer por su propio peso, sin someterlos a otra fuerza que no sea la gravedad. Las formas crean curvas naturales, catenarias, que se entrelazan como un tejido vaporoso cuya trama se proyecta a su alrededor. Coleman subvierte la tradición costurera realizada históricamente por mujeres y la lleva a un nuevo escenario. El hilo se convierte en herramienta conceptual para crear complejos universos que evocan topografías, estratos geológicos de eras digitales. Estas composiciones nos recuerdan el trabajo de la arquitecta Zaha Hahid quien también aplicó el concepto de membrana a varios edificios como la Sunrise Tower In Kuala Lumpur o el edificio Toyo Ito & Associates Tod’s Omotesando en Tokio (Japón). En el espacio dedicado a la proyección audiovisual nos encontramos con la película colaborativa titulada Visions (2015), dirigida por Xisela Franco y producida por Beli Martínez y
realizada con la colaboración de la Diputación de Pontevedra. La película contiene cortometrajes de Carla Andrade, Bego M. Santiago, Carme Nogueira, Eva Calvar, Sonia Méndez, Andrea Zapata-Girau, Lara Bacelo, Olaia Sendón, Diana Toucedo e Claudia Brenlla. La película se proyecta en dos pases diarios: a las 18:00 hrs, a las 19:30 hrs. Todos reflexionan, a grandes rasgos, sobre ser mujer y artista. “Cinema e Muller” es un proyecto que nace con la voluntad de visibilizar a las creadoras del medio audiovisual fomentando una mayor participación de las mujeres en la creación del arte y la cultura. Una parte importante de ese audiovisual hecho por mujeres se sitúa en la intersección entre cine y arte, por eso le dedican especial énfasis en las exploradoras de un cine personal vengan del campo del mismo cine, de la comunicación audiovisual o se muevan en el territorio de las Bellas Artes. EXPLORAR LOS LÍMITES Continuando nuestro recorrido por el pasillo perimetral izquierdo nos encontramos a dos creadoras que se caracterizan por explorar los límites de la pintura. María Viñas y Dennise Vaccarello escudriñan lo pictórico desde diferentes perspectivas. Vaccarello presenta una obra compuesta por un oléo aplicado con jeringulla y una pequeña pieza realizada con fragmentos visuales y sonoros. El proyecto pictórico de Dennise Vaccarello se articula a través del paisaje, el sonido y la visualidad y pretende sintetizar conceptualmente el sonido a través de otras técnicas como la pintura digital o el vídeo. Subtítulo consiste en un ejercicio sinestésico donde Vaccarello pretende salir de la propia técnica. Pintar sin pintura o pintar reinventando la técnica pictórica. Así por ejemplo el lienzo es óleo aplicado con jeringuilla y su textura gruesa y caótica recuerda a los lienzos de ciertos pintores abstractos como Jason Martin. Cuadros monocromos en los que la misma pintura parece haber sido aplicada sin mayor pretensión que ser ella misma. El óleo de Subtítulo como no podía ser de otra manera lleva un subtítulo “Ssssssssschhhhhhhh” en letras amarillas, una invitación al silencio para poder escuchar lo que la pintura tiene que decir. Por el contrario María Viñas experimenta con el soporte pictórico pero entiende el lienzo desde una dimensión escultórica, táctil, que parece querer ser tocada. Quizá porque sus piezas se componen de hilos, telas, maderas, perforados, bordados e infinitas capas de veladuras (que en algunos casos llegan hasta las 500) que convierten los soportes en rivales directos de la madera o el metal, pero con la ductibilidad suficiente que les permite ser moldeados. Su metodología de trabajo es increíblemente lenta entendiendo el trabajo como liturgia, un proceso espiritual de comunión con el lienzo. De hecho Viñas ha desarrollado una técnica pictórica propia que imparte el catedrático J. Perdiguero en la Universidad de Nueva York, dentro de la asignatura “Nuevas técnicas de abstracción pictórica” y que lleva al ancho del lienzo a alcanzar hasta los 40 cm. de grosor. Sus pinturas abstractas reinterpretan símbolos espirituales como la cruz, el yantra o el mandala, diagramas geométricos que evocan la meditación y la purificación y a la vez actúan de protectores espirituales. PASILLO PERIMETRAL FRONTAL ESPECIES DE ESPACIOS Este espacio está reservado para los espacios, o las especies de espacios, como diría el escritor George Perec. Sheila Pazos y Yolanda Ríos imaginan lugares utópicos o distópicos desde lenguajes y metodologías antagonistas. Los multiversos de Sheila Pazos parecen emerger de las historias y de los cuentos. Su taumaturgia proviene de la capacidad para codificar la cotidianidad y revertirla en un universo onírico de paisajes y personajes encantados. Hablamos de multiversos como oposición al uni-verso, ya que es una artista poliglota que habla los lenguajes de la moda, el arte, la instalación, el diseño 3D o la fotografía, conjugando todos estos verbos con un reconocible y personalísimo acento. En Magical Girls podemos disfrutar de varias de sus utopías —paraísos artificiales—, realizados mediante modelado 3D. Unos paisajes imposibles creados a la par que la última y exitosa colección de moda que ha diseñado y que lleva por título Artificial Paradises, presentada recientemente en la Mercedes-Benz Fashion Week-Samsung Ego (Madrid). En los diversos mundos de Pazos un sombrero no es sólo un sombrero, sino una escultura, una maqueta, una reflexión sobre la ciudad moderna o una reinterpretación de una de esas Ciudades invisibles que describió Marco Polo a Kublai Kan en palabras de Italo Calvino. Es decir, el trabajo de Pazos se expande en varias capas significantes que parten de lo tangible a lo universal. Yolanda Ríos sin embargo representa el minimalismo el espacio escultórico. Su pretensión de decir lo máximo con lo mínimo le lleva a una necesaria austeridad formal en la que utiliza habitualmente materiales como el hormigón, la madera, el metacrilato o el papel. En esta ocasión presenta una pieza titulada Refugio, realizada únicamente con cuatro mantas térmicas, las mismas que se entregan a las víctimas de un accidente o de cualquier desastre, que al ensamblarse componen un cubículo. Refugio aporta al relato expositivo la parte de concienciación social, de reflexión sobre la seguridad y el modo de habitar del ser humano. Si deseas escuchar a las propias artistas reflexionando sobre su obra puedes descargarte el podcast que hemos realizado en la página web del proyecto: http://cargocollective.com/magicalgirls Concejalía de cultura del Concello de Vigo - Exposición Magical Girls - del 12 de agosto al 2 de octubre de 2016 - Casa das artes. Policarpo Sanz 16. Vigo.